TEMA 1: EL ASESOR EN ESTILISMO EN VESTUARIO
1. LA ASESORÍA EN ESTILISMO
La asesoría en estilismo o estilismo de moda es una
profesión moderna. Los primeros asesores de estilismo de vestuario fueron en
realidad editores que trabajaban en revistas de moda y se encargaban de
seleccionar las prendas y crear los looks. Solo a partir de los años 80 empezaron
a aparecer los primeros asesores de estilismo para luego convertirse en
personajes clave para las editoriales de moda.
Ahora el estilista de moda se ha convertido en una figura
profesional más polivalente.
Un estilista es un profesional que se dedica a asesorar
sobre la imagen y estética de sus clientes, normalmente tomando como guía la
moda o tendencias del momento.
Es la persona responsable de elegir un look y unas prendas
y, más a menudo, de comunicar una idea, una tendencia o un tema de moda, o de
anunciar un producto del sector. Los estilistas trabajan en el cuidado del
estilismo para editoriales de moda, campañas publicitarias, televisión, vídeos
musicales, desfiles de moda y eventos, apariciones públicas de algún modelo o
celebridad, o como estilistas personales para clientes individuales.
Además de su naturaleza práctica, el estilista cuestiona la
manera en que percibimos la moda y el estilo, ya que en ocasiones conjuga las
piezas de un modo inicialmente no pretendido por el diseñador, y conduce la
indumentaria hacia una nueva dirección.
Generalmente, los estilistas son parte de un equipo
requerido por el cliente para trabajar junto con diseñadores de moda,
fotógrafos, directores, peluqueros y maquilladores para crear una apariencia
particular o un tema para un proyecto específico.
2. CONCEPTO DE ESTILISMO
En este punto vamos a tratar de aclarar conceptos
relacionados con el estilismo y que
habitualmente se utilizan en la profesión.
·
MODA. El
diccionario de la real academia española la define como el uso, modo o
costumbre que está en boga durante algún tiempo o en un determinado, con
especialidad en los trajes, telas y adornos, principalmente los recién
introducidos.
·
ESTILISMO
EN EL VESTIR. Es la manera de vestirnos, fruto de la combinación de prendas,
líneas, formas, volúmenes y colores determinados. El estilo de una persona
también lo definen los demás elementos de su imagen externa: el peinado, el
maquillaje, el vestuario y los complementos.
·
ESTILISTA. Es
el/la profesional que se dedica al cuidado de la imagen y que, a través de la
combinación de prendas y complementos, determina un aspecto concreto en la
persona con la que trabaja.
·
IMAGEN
PERSONAL. Conjunto de códigos que utiliza una persona y que transmite
su imagen.
·
IMAGEN
COLECTIVA. Conjunto de códigos que utiliza un colectivo y que
transmite la imagen del mismo.
·
IMAGEN
CORPORATIVA. Elementos visuales que identifican una empresa.
·
FONDO DE
ARMARIO.
El fondo de armario se compone de las piezas intemporales e imprescindibles
para vestir bien en cualquier ocasión, prendas que subsisten a modas y varían
con ellas sin perder su función básica. El fondo de armario de cada uno variará
en función de su trabajo y las actividades sociales y de tiempo libre que realice.
En cualquier caso, se tomará como máxima que las prendas básicas sean de buena
calidad y de un estilo más bien clásico; de otro modo no serían intemporales.
·
COMPLEMENTOS.
Conjunto de accesorios que, combinados de manera adecuada, permiten resaltar la
imagen de la persona y mejorar sustancialmente su aspecto realzando el
resultado final del acto de vestir. Son elementos que expresan los gustos, el
detalle y las preferencias estéticas de quien los lleva.
·
SHOWROOM.
Término que procede del inglés y que significa sala de exhibición. Son espacios
de exhibición temporales o permanentes donde un diseñador o grupo de
diseñadores muestran sus nuevas colecciones, con el objetivo de darlas a
conocer a compradores, medios de comunicación y/o consumidores.
3. LA ELEGANCIA Y EL ESTILO.
CLASIFICACIÓN GENERAL DE ESTILOS.
A) ESTILO:
El asesor debe definir el estilo de un individuo o de un
colectivo. La palabra estilo procede del estudio de la historia del arte y, ha
servido y sirve, para calificar las obras de arte de períodos y territorios, de
acuerdo con una pautas estéticas y/o de contenido. Cabe recordar algunos de los
diferentes estilos artísticos: clásico, bizantino, visigótico, prerrománico,
mozárabe, mudéjar,…
Así pues, con la palabra “estilo” clasificamos obras,
objetos e individuos por el aspecto estético externo, el cual se percibe a
través de los sentidos y, de forma muy especial, a través de la vista.
En consecuencia, el estilo de una persona lo definen todos
los elementos de la imagen externa: peinado, maquillaje, vestuario,
complementos…
Con relación al estilo es importante definir, en primer
lugar, qué es lo que se entiende por estilo clásico: Aquel que se basa en los
elementos y conceptos que están más en armonía con el propio cuerpo y su
entorno.
Si existe un estilo clásico también existen estilos
no-clásicos. A cada uno de estos estilos no-clásicos que van apareciendo se les
aplica nombres que pueden proceder de:
·
La historia del arte (ecléctico, barroco,
romántico, minimalista,…)
·
Creadores o de sus diseñadores (Versace, Armani,
valentino, Chanel,…)
·
Formas de entender la vida
(Ejecutivo-profesional, hippie,...)
·
Modelos estéticos (deportivos, lingerie, grunge,
Street,…)
En todos los estilos podemos distinguir tres niveles: un
nivel llamado sofisticado, derivado del vocablo “sofisma” (que altera el estilo
inicial), un nivel neutro (el estilo en su punto medio) y un nivel extremado
(que se acoge a los elementos más extremos dentro del mismo estilo).
El asesor de imagen debe ayudar a definir el estilo del individuo
o del colectivo de acuerdo con la voluntad, motivación, objeto o finalidad de
los mismos. El estilo también tiene que ver con la manera de entender la vida
de un individuo, y consecuentemente, también con su personalidad y emociones.
B) ELEGANCIA:
El asesor debe potenciar la elegancia de una persona o de un
colectivo. La elegancia tiene que ver con el movimiento y con el porte de los
elementos externos de la imagen. Un traje de alto precio puede resultar
elegante en un hombre mientras que en otro no, simplemente por el hecho de que
los movimientos, el porte, del individuo sean elegantes o no.
Así pues, el concepto de elegancia va unido a:
·
Posición del cuerpo, manteniendo la estructura
física con naturalidad y sin rigidez.
·
Movimientos gestuales y corporales armónicos.
·
Movimientos que delimiten líneas sinuosas, muy
suaves, en mujeres y rectas (no agresivas) en hombres.
·
Velocidad del movimiento en proporción al
cuerpo, pero preferiblemente tranquila y sosegada.
A menudo la palabra “elegancia” se mezcla y confunde con la
palabra “estilo”, “clase” y “distinción”.
Resumiendo, y pese a que el concepto de elegancia se vincula
erróneamente exclusivamente al estilo clásico, su definición correcta se puede
vincular a otros estilos, pudiéndose definir que el ser elegante equivale a
desarrollar un movimiento corporal y una expresión gestual acordes a los
principios de:
·
Verticalidad del cuerpo, no rigidez.
·
Expresión gestual y corporal compensatoria de
volúmenes.
·
Serenidad y no precipitación.
Definición: la elegancia es una cualidad personal que
debe ser enseñada y cultivada. La elegancia es aprendida, y por su relación
directa con la expresión, tiene que ver con el carácter y la personalidad del
individuo.
4. ESTILOS BÁSICOS EN INDUMENTARIA
Son un completo sistema de comunicación no verbal. A lo
largo de la historia, el estilo ha ido reflejando pequeñas pinceladas de la
vida del que se identifica con él y lo lleva. Expresa una manera de ser, de
actuar, los gustos concretos o más generales, circunstancias personales,
posición social, etc.
Existen muchos estilos, algunas personas se sienten más
identificadas con unos estilos que con otros y la elección de uno u otro puede
variar en función a la ocasión o el deseo de adecuarse a una situación o evento
concretos. Los estilos no siempre son puros o extremos: pueden ser neutros o
mezclarse unos con otros, siempre y cuando sigan una línea similar.
Algunos de los más usuales y sus rasgos más significativos
son:
1º ESTILO
CLÁSICO. Sus
características se basan en el período clásico griego, en el que primaban las
proporciones corporales, la armonía de los colores naturales así como las
formas rectas o semi entalladas. Consta de tejidos de textura y colores neutros
o con leves contrastes. Es el estilo de hombres y mujeres tradicionales.
2º ESTILO VANGUARDISTA. Estilo adoptado por mujeres y hombres urbanos, seguidores de
la moda y las últimas tendencias. Su color principal es el negro, que se
combina a veces con el blanco o algún color vivo. Las líneas de sus prendas son
entalladas y ajustadas. Su uso es común entre los profesionales de la moda, del
diseño, del arte, etc. Se contrapone al estilo clásico.
3º ESTILO INFORMAL O CASUAL. Estilo típico de hombres y mujeres activos y prácticos. Sus
prendas son de líneas básicas y cómodas, generalmente holgadas y de colores
neutros. Suelen usar pocos complementos y emplean prendas con bolsillos o
capuchas.
4º ESTILO BOHEMIO. Las
personas que siguen este estilo buscan la libertad y la creatividad y utilizan
prendas de líneas sueltas y volúmenes discretos. Su vestimenta es monocromática
o multicolor en función del entorno. Suelen preferirlo los profesionales
liberales.
5º ESTILO MINIMALISTA. Es el estilo de aquellas personas que quieren pasar
desapercibidas. Usan prendas de líneas limpias, sin volúmenes y de colores
negros, blancos y grises. Emplean escasos complementos.
6º ESTILO RETRO O VINTAGE. Gusta a aquellos hombres y mujeres que siguen la moda de
épocas anteriores. No se limitan a prendas y complementos de una sola época,
sino que generalmente combinan lo mejor de cada una. Con este estilo se suelen
utilizar piezas únicas, originales y antigüedades, prendas que llevaban
nuestros antepasados y que en ocasiones tienen un gran valor sentimental.
7º ESTILO OVERSIZED. Estilo utilizado por mujeres y
hombres cómodos que llevan varias tallas más grandes de lo que corresponde a su
figura. Algunos intentan disimular algún kilo de más con este estilo. Recuerda
al estilo de los 80, de prendas alargadas que buscan la comodidad y la
libertad. La tendencia extrema del oversized puede sugerir descuido en el
aspecto.
8º ESTILO FELINO O LINGERIE. Surgió con la fiebre consumista de los dorados años 80.
Recientemente ha sido incorporado por
aquellas mujeres que quieren llamar la atención resaltando sus atributos.
Suelen emplearse prendas transparentes, pieles, oro, bordados, rasos, sedas y
satenes con formas insinuantes y estampados de animales salvajes. No debe
usarse en ambientes muy conservadores.
9º ESTILO GRUNGE. Es un
género alternativo del rock, nacido en Seattle en los años 90 y gracias a los cantantes de Nirvana o Pearl Jam. Por
entonces, los seguidores de estos grupos imitaron la forma de vestir de sus
ídolos, de manera que se creó un nuevo estilos denominado como el estilo
musical de sus precursores, grunge, y que se caracteriza por jerséis muy largos
y pantalones descosidos y deshilachados. Hoy en día son mayoritariamente
jóvenes los que lo visten.
10º ESTILO ÉTNICO. Consiste
en prendas y complementos inspirados en los trajes de los pueblos indígenas.
11º ESTILO HIPPIE. Surgió
a finales de los 60. Este estilo mantiene las raíces del folclore popular y de
lo artesanal. Sus seguidores utilizan faldas largas, blusas con bordados,
estampados florales, pantalones de campana, chalecos, etc. es el estilo
adoptado por los amantes de la naturaleza, solidarios y aquellos que buscan
realidades diferentes.
12º ESTILO PUNK. Surgió
de la época de los 70. Estéticamente es una antítesis del hippie. Se
caracteriza por el uso de botas negras de tacón alto, prendas de cuero negras
ajustadas con muchas cremalleras y cinturones, aros o pendientes por todo el
cuerpo (piercing) y tatuajes. Sus seguidores reflejan así su espíritu de
rebeldía e inconformismo con la sociedad.
13º ESTILO EJECUTIVO. Surge en los años 80 con el auge del mercado financiero. Sus
fieles seguidores siguen siendo ejecutivos que buscan un estilo sencillo y
profesional. Utilizan solo los complementos imprescindibles y su atuendo
habitual es el traje sastre.
14º ESTILO GÓTICO. Es un
estilo musical y estético. Es una mezcla de estilo medieval y vampírico. Usan
terciopelo, vestidos largos de estilo victoriano, corsés con faldas largas,
capas, gabardinas de cuero, etc. utilizan siempre el negro como base y combinan
colores como el blanco, el vino tinto, el purpura y el rojo.
15º OTROS ESTILOS. Safari,
rockero, militar, folclórico, underground, etc
5. EL PRÊT-À-PORTER Y LA ALTA COSTURA
A) PRÊT-À-PORTER
Prêt-à-porter es una expresión
francesa tomada del inglés “ready to wear” que significa listo para llevar. Se
caracteriza por su sistema de fabricación seriado de prendas de vestir, con
patrones que se repiten en función de la demanda y dirigidas a un público
universal.
Para este tipo de prendas se
utilizan, en general, tejidos de producción y venta masiva (con diferentes
calidades y precios), de fácil cuidado y conservación.
El Prêt-à-porter se caracteriza
por renovar las colecciones todas las temporadas.
El proceso mediante el cual se
genera esta vía de diseño comienza en Estados Unidos y Gran Bretaña a finales
del siglo XIX y se aplicaba a prendas de trabajo. Con el tiempo pasa a ser el
más importante instrumento para la democratización de la moda, a partir de los
años 20 y 30 en los Estados Unidos y tras la Guerra Mundial en Europa, época en
la que se denomina con esta expresión francesa.
El surgimiento y desarrollo del
Prêt-à-porter va ligado a la elevación del nivel de vida y a la aparición de
una fuerte clase media con la capacidad de producir masivamente prendas de
moda. Esto, unido a los avances de trabajo en la industria textil hace que se
organice el sistema de la moda en la alta costura y el Prêt-à-porter.
A partir de 1960, el
Prêt-à-porter tiene un crecimiento increíblemente rápido, traspasando fronteras
y naciones. Con el tiempo la creación de la indumentaria se genera como un
fenómeno social. El joven diseñador comienza a tener gran importancia y mayor
influencia que en épocas o años anteriores, y desde la década de los años 60 va
desplazando lentamente a la alta costura, haciendo que la moda llegue a todos
los niveles de la sociedad en cien años.
b) HAUTE COUTURE (ALTA COSTURA)
La alta costura surge a
comienzos de 1800, al mismo tiempo que la producción seriada, pero hasta
inicios del siglo XIX, la moda solo formaba parte de la vida aristocrática,
aunque el artesano o modisto permanecía en un status humilde y anónimo.
La alta costura es la mayor
expresión de la moda. Se trata de una definición muy estricta que no todos los
creadores pueden ostentar. Las colecciones de alta costura están formadas por
piezas hechas totalmente a medida con una confección impecable, los mejores
materiales, etc.
Los sastres, costureras,
bordadoras y otros artesanos (o artistas) que colaboran en la confección de
estas prendas son además los mejor cualificados del mundo. Dedican horas (de
100 a 400) a la elaboración de cada pieza para que todos los detalles sean el
mejor ejemplo de una confección exquisita. Cada puntada conlleva años de
tradición y experiencia.
El tiempo aproximado que pasa
desde que se hace la primera toma de medidas hasta que el vestido está acabado
puede llegar a durar cuatro meses, aunque depende de la complejidad del
vestido.
En Francia, debido a su interés
por proteger la tradición y la industria, se han hecho dueños del término
“Haute Couture”. Así, solo se pueden definir como alta costura las creaciones
de aquellas firmas que cumplan una serie de requisitos marcados por la Fédéracion Française de la Couture.
Ellos eligen qué marcas pueden ostentar el honor de diseñar alta costura y,
cada año, una comisión del Ministerio de Industria publica una lista de firmas
que han pasado el examen. Los criterios se establecieron por primera vez en
1945 y se actualizaron en 1992.
Estos son algunos de los
requisitos:
·
Diseñar a medida de los clientes, llevando a
cabo una o más pruebas.
·
Tener un atelier (taller) en París en el que
trabajen al menos quince personas a tiempo completo.
·
Contar con al menos veinte técnicos trabajando a
tiempo completo en el atelier.
·
Presentar a la prensa en París cada temporada (2
veces al año) una colección que contenga al menos treinta y cinco salidas con
conjuntos de día y de noche.
En 1997 se establecieron tres
categorías en la Alta Costura: Membre Haute Couture, aquellos que
cumplen con todos los requisitos establecidos anteriormente; Membre
correspondant, aquellos extranjeros que cumplen con todos los requisitos
excepto el de tener un atelier en París; y por último, Membres invités,
aquellos que forman parte de los invitados y después de un tiempo de exposición
pueden formar parte de las categorías anteriores.
En 1946 había 106 firmas en la
alta costura. Tras la Segunda Guerra Mundial descienden a 60, hasta hoy que,
tras duros requisitos establecidos para proteger la verdadera Houte Couture,
apenas hay 11 miembros.
Este año, las firmas
oficialmente aprobadas para presentar alta costura son Christian Dior,
Chanel, Jean Paul Gautier, Giorgio
Armani y Valentino, entre otras. También hay una serie de miembros invitados,
que si demuestran estabilidad y talento pueden pasar al calendario fijo después
de dos años. Esta temporada las firmas invitadas son Iris Van Herpen, Julien
Fournié, Alexander Vauthier, Bouchra Jarrar, Yiquing Yin, Rad Hourani y Zuhair
Murad.
La federación francesa también
ha invitado a lo largo de la historia a grandes creadores españoles: Joseph
Font, Balenciaga o Paco Rabanne.
Hay que destacar que, aunque
esta vía de diseño no cumple con los niveles de estabilidad, la alta costura se
comienza a consolidar más bien como un arte. Hoy día aquellas marcas o
diseñadores que aun producen alta
costura, se consideran precursores y marcan tendencia cada temporada, por lo
que son tomados como referentes e inspiración y luego se ven reflejados en el
Prêt-á-porter y otros productos, proporcionándole a esta vía de diseño, un papel
importante en el circuito de la moda.
6. DESFILES: TERMINOLOGÍA ASOCIADA Y
CARACTERÍSTICAS. PRINCIPALES PASARELAS DEL MUNDO
A) ¿QUÉ ES UN DESFILE?
El desfile de moda es el medio
a través del cual el diseñador puede difundir sus ideas, generar conocimiento
de moda, conseguir cobertura en los medios y predisposición del público hacia
su firma.
Una vez que el diseñador ha
ideado y confeccionado su colección, la prioridad principal es darla a
conocer y la pasarela es una forma de
comunicación ideal para mostrarla, ya que una de las mejores maneras de poder
observar la caída y las proporciones de las prendas es sobre el cuerpo de las
modelos en movimiento.
La prensa y los compradores
serán sus principales interlocutores, además de los clientes habituales y
amigos de la marca. Los compradores reafirmarán su decisión de compra, que
efectuarán en el showroom, mientras la prensa comentará la colección en
periódicos y revistas especializadas y también se fijará en las prendas
susceptibles de ser usadas para hacer las fotos de futuras editoriales de moda.
Para ello solo se necesitan
modelos que los luzcan, un espacio donde hacerlo y un público.
A partir de aquí las variedades
de formatos son múltiples e infinitas.
Los desfiles en las distintas
pasarelas que se organizan alrededor del mundo, se celebran dos veces al año,
formando parte de un calendario anual con el que se contemplan los estadios de
diseño, producción, distribución y venta de las colecciones, que se diseñan
habitualmente con un año de antelación.
En los meses de otoño se
presentan las colecciones de alta costura y de Prêt-à-porter de la temporada
primavera-verano del siguiente año, y en primavera se presentan las de otoño-invierno
y las colecciones crucero.
Un desfile es una herramienta
de promoción ideal, pero también muy costosa y que no implica una contrapartida
económica directa. Solo si consigue un aumento de pedidos en su showroom
gracias a las reseñas positivas sobre su colección logrará recuperar parte de
la inversión.
Las presentaciones de moda cada
vez se están diversificando más, adoptando nuevos formatos y fórmulas, en
algunas ocasiones por motivos económicos, en otras por aspectos que tienen que
ver con la filosofía de la propia marca. Elegir y dar con la manera adecuada
para presentar una colección es una de las primeras decisiones que hay que
tomar.
Para aquellos que empiezan, la
mayoría de profesionales aconsejan formatos más sencillos que el desfile, como
una presentación breve y escueta, en la que las prendas sean las máximas
protagonistas, dejando la espectacularidad para cuando la marca esté más
asentada y sea posible contar con mayor presupuesto con el fin de ofrecer un
evento de calidad. En un breve lapso de tiempo, un diseñador se juega su
carrera exponiendo su trabajo a la opinión pública.
Las nuevas tecnologías se han
convertido, en este sentido, en un buen aliado para aquellos diseñadores que
disponen de poco presupuesto pero de buenas ideas.
B) OBJETIVOS DE UN DESFILE
En un desfile existen variados
y múltiples objetivos:
·
Informar sobre las nuevas colecciones. Para
ello hay que presentar la colección de las prendas de forma atractiva y
sugerente, en coherencia con la idea y el estilo que el diseñador quiere
transmitir. La nota de prensa previa y el dosier de prendas son dos
complementos necesarios para que los periodistas conozcan con precisión a quien
van dirigidas sus prendas y qué quiere comunicar con ellas. Además de informar
sobre las propias prendas, los diseñadores están dando implícitamente
información sobre la marca: sofisticada, alternativa, conceptual, artística o
bohemia.
·
Llamar la atención de la prensa. Es
importante seducir para conseguir la atención de la prensa y que la colección
se convierta en objeto de deseo. La novedad, la innovación y la especularidad
suelen ser algunos de los recursos más utilizados.
·
Ser recordado. Un
editor de moda ve una gran cantidad de desfiles durante las semanas de la moda:
si se ha llegado a llamar su atención, lo importante ahora es ser recordado y
permanecer en su retina para que, de vuelta a la redacción, decida que quiere
hablar de los diseños que ha visto.
Una
puesta en escena cuidada, una nota de prensa bien confeccionada y una
combinación de prendas hechas con intención son elementos clave para lograr un
conjunto compacto, independientemente del formato del desfile, pues al fin y al
cabo, las prendas son lo que cuenta.
·
Apoyar la decisión de compra. En un
desfile, una parte importante del público está formada por compradores y
posibles compradores. Para los que ya lo son, el desfile es una buena forma de
ratificar su decisión de compra y de mostrar agradecimiento hacia su fidelidad.
·
Generar expectación. Si con
su desfile el diseñador logra llamar la atención de la prensa y los compradores
ven su nombre en las revistas, cuando esté presente su próxima colección,
muchos querrán asistir al evento. El trabajo debe ser continuo antes, durante y
después del desfile.
·
Emoción y seducción.
Diseñadores, periodistas, directores de arte y productores mencionan a
menudo el uso de la seducción y la
emoción como uno de los mejores recursos para lograr alguno de los objetivos
aquí mencionados.
Exponerse,
desfilar, captar la atención, atraer las miradas, volver a mirar, sentirse
embriagado y volver de nuevo la mirada, los desfiles usan el juego de la
seducción con habilidad.
C) PRINCIPALES PASARELAS MUNDIALES
Nueva York, Londres, Milán y
París son, por tradición, las semanas de la moda con más repercusión y con una
cobertura mediática mayor pero, últimamente, capitales como Copenhague, Berlín
o Sídney han logrado situarse también en el punto de mira de las publicaciones.
-Las Cuatro Grandes-
Nueva York, Londres, Milán y
París se han elegido como los centros geográficos que abastecen con sus
diseñadores y presentaciones a las revistas y escaparates de todo el mundo.
Cada una con un rol propio, son las llamadas Big Four.
La prensa ha sido, en parte,
responsable de que estas cuatro capitales ostenten la exclusividad y el
protagonismo en la producción de moda. La revista Vogue en concreto, ha sido
determinante al respecto. Esta revista se convirtió en un objeto de deseo que
daba consejos sobre lo que estaba de moda, limitándose, prácticamente, a éstas
capitales hasta hace bien poco.
-París, La Capital-
Que París ostente esta
capitalidad no es casual. Esta ciudad ofrece la tradición, la protección y las
infraestructuras necesarias para que un diseñador pueda desarrollar con
comodidad y apoyo su carrera y es por ello que muchos diseñadores la eligen
como la capital ideal para establecer sus oficinas centrales y salones.
Los desfiles de París los
organiza la Federación Francesa de la Costura, establecida en 1973 y presidida
por Ralph Toledano. Dividida en tres cámaras sindicales es quien diseña el
calendario de los desfiles, asigna recintos y decide qué periodistas podrán
cubrir el evento.
Para desfilar en París es
necesario formar parte de las cámaras de la asociación y la admisión se decide
en función de los resultados empresariales de la empresa. El apoyo de algún
padrino o patrocinador puede ser determinante para poder entrar en la élite de
los diseñadores y que la candidatura llegue ante el comité de selección.
-Milán, La Tradición-
La estructura de la industria
italiana tiene su punto fuerte en un Prêt-à-porter de calidad. Entre 1971 y
1978 los diseñadores italianos más asentados abandonaron Florencia por Milán.
Al mismo tiempo, una nueva generación de diseñadores emprendedores eligió también
Milán para establecerse. Organizado por la cámara nacional de la moda italiana
y fundada en 1958 con el objetivo de asesorar y defender los intereses de sus
miembros, la Milán moda uomo y la Milán moda Donna han acogido a lo largo de su
historia algunos de los desfiles más espectaculares y suntuosos de la historia
de la moda.
El “Made in Italy” sigue siendo
un éxito asegurado para marcas como Armani, Prada, Versace, Gucci o Moschino y
la tradición y la calidad, las señas de identidad de una de las pasarelas más
concurridas por los compradores. Los desfiles de Milán siguen siendo un punto
de referencia, sobre todo en el sector masculino.
-Londres, Aires Renovados-
Organizada por el British
Fashion Council, la London Fashion Week se ha convertido en el punto de
referencia para las propuestas más jóvenes, desenfadadas e irreverentes.
La capital inglesa ofrece un
aire fresco edición tras edición y sigue fortaleciendo su posición en el
circuito.
La creatividad de las semanas
de la moda de Londres no es un hecho casual, sino el resultado de un fuerte
apoyo desde sus inicios a los diseñadores más jóvenes y a la creación de
puentes sólidos con las escuelas de moda de París.
Muchos especialistas esgrimen
acerca del potencial de la capital inglesa como capital generadora de moda y
nuevos talentos por su incapacidad para ofrecer a los diseñadores ingleses una
estructura industrial sólida con la que poder construir una marca que pueda
sobrevivir los embates de la economía. Es por este motivo que muchos de sus
diseñadores más queridos se han marchado a París.
-Nueva York, Un Estilo Propio-
En Nueva York la pasarela está
enteramente organizada por una empresa particular, IMG, especializada en
eventos mediáticos de gran calibre.
Anteriormente llamada Press
Week, fue la primera agencia de la moda de la historia, fundada en 1943, el
evento fue diseñado con la intención de alejar la atención de la moda francesa
durante la Segunda Guerra Mundial en un momento en que a los periodistas,
compradores y expertos les era imposible viajar a París y logró que los
editores de las revistas Vogue y Harper’s Bazaar conocieran más de cerca a los
diseñadores autóctonos.
Posteriormente, las demás
“capitales de la moda” adoptaron esa misma fórmula y ofrecieron a los diseñadores un marco conjunto
en el que poder mostrar su colección.
La institución que acoge y
apoya a los diseñadores es el Council of Fashion Designers of América (CFDA),
una organización sin ánimo de lucro que coge nuevos miembros sólo por
invitación.
7. PRINCIPALES PASARELAS ESPAÑOLAS
-Mercedes-Benz Fashion Week Madrid/MBFWM-
Es la cita por antonomasia de
la moda española y reúne a más de 50.000 visitantes. Desde hace años forma
parte del mapa de las grandes pasarelas mundiales y se celebra en el recinto de
IFEMA. En cada edición los mejores diseñadores españoles muestran la diversidad
creativa y la calidad que son capaces de alcanzar. Ágatha Ruiz de la Prada,
Amaya Arzuaga, Ana Locking, Ángel Schlesser, David Delfín, Devota & Lomba,
Francis Montesinos, Hannival Laguna,… son algunos de los diseñadores que han
formado parte de ella en las últimas ediciones. Cuenta también con un espacio
para jóvenes creadores, EGO, en el que las nuevas generaciones intentan
sorprender con su talento.
Su edición otoño-invierno se
celebra en los meses de enero-febrero y su edición primavera-verano en los
meses de agosto-septiembre.
-080 Barcelona Fashion-
Espacios singulares en la
ciudad de Barcelona como el Palau de Pedralbes han sido la sede de esta
pasarela.
Son muy interesantes las
actividades paralelas que organiza como exposición, un curso de diseño,
conferencias, muestras relacionadas con accesorios,…
Celebra dos ediciones al año:
primavera-verano y otoño-invierno.
-Valencia Fashion Week-
El ágora de la ciudad de las
artes de Valencia, edificio diseñado por Santiago Calatrava, es una de las sedes
de lujo que coloca a Valencia en el Frontrow de las pasarelas de moda
españolas.
Además de ofrecer magníficas
puestas en escena se celebran múltiples actividades adicionales.
En septiembre organiza su
colección primavera-verano y en febrero la de otoño-invierno.
-Otras Citas Importantes-
A estas tres citas
imprescindibles con la moda hay que añadir otras como la Barcelona Bridal Week,
la pasarela internacional de baño Gran Canaria Moda Cálida y ferias de
prestigio como Eurobijoux collection, FIMI (Feria Internacional de Moda
Infantil), Iberjoya y MOMAD Metrópolis.
-Más allá de las Pasarelas-
Museos especializados como el
museo del traje, centro de investigación del patrimonio etnológico (en Madrid)
y el museo Cristóbal Valenciaga (en Guipúzcoa), contribuyen también a la
difusión y contextualización de la moda española a través de sus colecciones
permanentes, sus exposiciones temporales y sus actividades.
8. TERMINOLOGÍA ASOCIADA
1. ATELIER. Palabra
que proviene del francés y significa taller.
2. COLECCIONES. Las
colecciones son las líneas de ropa que, temporada tras temporada, crean los
diseñadores. Suelen presentarse en los circuitos de la moda, que son, por
excelencia, las semanas de la moda o Fashion Week, de todo el mundo.
3. COLECCIÓN CRUCERO. Son colecciones de ropa entre veraniega y primaveral que
nacieron para cubrir las necesidades de aquellos millonarios que se iban de
cruceros a lugares tropicales, mientras que en su lugar de origen aún era
invierno. Son especialmente creadas para vacaciones.
4. PRONTO MODA O MASS. Colección continua. Siempre se están diseñando, siempre se
están confeccionando y siempre se están vendiendo. Moda de masas, la fast
fashion y todo el sector low cost y la gran distribución.
5. SHOWROOM. Espacio
destinado a enseñar las colecciones de diseñadores sobre perchas. Suelen ser
multimarcas.
6. OUTLET. Tienda
que ofrece productos de una o más marcas a precio promocional.
7. FRONT ROW. Primera
fila en los desfiles.
8. FITTING. Momento
en que las modelos se prueban la ropa que lucirán en la pasarela.
9. BACKSTAGE. Parte
de atrás del desfile.
10. SITTING. Acto de
sentar a la gente antes del desfile.
11. PHOTOCALL. Es una
ocasión de relaciones públicas. Los patrocinadores de un evento invitan a
famosos con interés mediático. De este modo, consiguen la presencia de la
prensa, que podrá fotografiar y entrevistar brevemente a los famosos en una
zona habilitada donde figure publicidad de sus marcas.
12. KISSING ROOM. Lugar
donde felicitar al diseñador tras el desfile. Es un fenómeno casi exclusivo
madrileño.
9. REPERCUSIÓN ECONÓMICA DE LA INDUSTRIA
DE LA MODA EN ESPAÑA
Menos de 20.000 eran las
empresas industriales del sector de la moda en España en 2013, tras once años
consecutivos de caídas.
La destrucción de compañías en
la industria de la moda se produce en los últimos años en un contexto de
profunda crisis económica que afecta a prácticamente todos los sectores
empresariales, pero en el sector de la moda con mayor énfasis.
La destrucción de empresas en
la industria de la moda ha ido acompañado en los últimos años de una progresiva
disminución en el número de puestos de trabajo del sector. Pese a todo, la
destrucción del empleo ha sido más intensa en otros sectores.
Tal y como ocurre en el empleo,
industria de la confección es la más importante del negocio de la moda en
términos de ingresos, pero el sector del cuero y el calzado gana peso y aumenta
su facturación dentro de las industrias de la moda.
Las exportaciones se mantienen
como el principal vector de crecimiento de las empresas españolas de moda. Las
ventas de productos de textil, confección y cuero y calzado al exterior
aumentaron un 4,9% en 2012 y alcanzaron los 13,484 millones de euros,
acumulando ya tres años consecutivos de subida de las exportaciones. En cambio,
las importaciones bajaron en 2012, con un descenso del 5,2%.
